Autoinmune - Meat Beat Manifesto

No sólo existe Burial

ARTISTA: Meat Beat Manifesto
ÁLBUM: Autoinmune
AÑO: 2008
GÉNERO: Electro-industrial-dubstep

Cuando uno desconoce la existencia de una banda llamada Meat Beat Manifesto puede pensar una cosa: que sea uno de estos grupos favoritos de las discotecas más horteras y que pongan sus canciones en recopilatorios del verano tipo ‘Caribe Mix’. Pero siempre hay que dejar el beneficio de la duda, el cual adquiere sentido para la sorpresa de aquel que no sepa quiénes son. Primero de todo hay que mostrarle a ese alguien la portada del disco “Autoinmune”. Rápidamente se dará cuenta de que no aparenta ser un conjunto de ‘Caribe Mix’, sino algo muy, muy raro. La portada es, como poco, claustrofóbica. En ella aparecen unos policías que más que policías parecen soldados de una guerra civil escondidos en alguna mina secreta barrosa, oscura y húmeda, que junto a ese efecto elegante de color azul da forma a una imagen muy misteriosa y que le da bastante interés al concepto del álbum.

Hasta ahí todo bien. Ese alguien no se irá a la cama sin haber aprendido una cosa más. Pero aún quedan dos cositas por saber: a) “Autoinmune” es un disco de electrónica. b) Meat Beat Manifesto es una de las bandas más importantes del género, y este disco es el noveno en su carrera, que empezó hace 11 años en Gran Bretaña, de donde es su líder Jack Dangers.

¿Qué cuál es la electrónica que fabrica una banda como MBM? Pues podríamos decir que las raíces más profundas del grupo son los ritmos industriales, pero no sería de más admitir que el grupo se adelantó al fenómeno trip-hop que conserva sus años de gloria en la década de los 90 aportando al panorama grupos tan indispensables como Massive Attack o Portishead. Y tampoco sería de más apuntar la enorme influencia que recibieron los Chemical Brothers por parte de MBM. Y tampoco estaría mal decir que han remezclado a gente como David Bowie, The Prodigy o Public Enemy. Y venga, por qué no, hablar un poco de las influencias musicales del grupo. ¿Hip hop? Sí. ¿Techno? También. ¿Rock? Evidente. Una mezcla sabrosa de estilos que se unen para dar a luz el dubstep, que ahora está tan de moda con artistas de la talla de Burial o Benga. Una discoteca oscurísima de breaks gruesos y melodías hipnóticas. Industrial y electrónica. Una ecuación algo extraña pero que sin duda no defrauda. “Autoinmune” es un ejemplo más de lo bien que hacen estos MBM su trabajo.

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Anywhere I Lay My Head - Scarlett Johansson

Un intento... fallido


ARTISTA: Scarlett Johansson
ÁLBUM: Anywhere I Lay My Head
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop-Folk

Cuando Scarlett Johansson decidió grabar un disco con versiones del mismísimo Tom Waits a la fuerza debía tener claro que, evidentemente, no iba a estar a la altura. Tom Waits es el genio americano, y a los genios no se les puede alcanzar, a no ser que un milagro convierta a la diva de Woody en una nueva Björk, cosa que de momento no vemos muy cercano. Así que, haciendo gala de su buen gusto musical, la rubia de moda entrega un homenaje al hombre que tiene enamorada a Leonor Watling. Un homenaje que, la verdad, deja un poco frío. El álbum ofrece un monótono barroquismo melódico y edifica una atmósfera que no llega a cautivar del todo. Por otra parte, la voz de Scarlett no consigue darle amplitud emocional a su particular homenaje.

Que sí, que eso de tener entre tus padrinos a David Bowie –que vaya padrino- o al líder de TV On The Radio es un lujo, y es que la señorita Johansson se lo puede permitir, pero es que el disco por no tener no tiene ni objetivo: no pretende gustar, no pretende ser comprado, no pretende ser pop, no pretende ser anti-pop, no pretende ser nada, y, a ver, que los discos sin pretensiones están muy bien, pero no me vale la simplérrima excusa de que quería grabar un disco, o dándole una búsqueda más retorcida, que quería homenajear a su querido Tom Waits. Los pringados de Operación Triunfo también dicen que quieren grabar un disco, pero Scarlett es Scarlett, y Bowie es Bowie. Y además de todo, como guinda del pastel, la mejor canción de todo el disco se titula “Song for Jo”, y no os lo perdáis: es el único tema original de todo Anywhere I Lay My Head”. Con lo cual, muy buena actriz, sí; muy guapa, también, pero si va a seguir haciendo discos como estos –también empezando por una instrumental, cosa que dice mucho- mejor que se quede con Woody, que lo hace mejor, y seguro saca más beneficios.

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Mónica Naranjo - Tarántula

Vuelve la diva salvaje

ÁLBUM: Tarántula
ARTISTA: Mónica Naranjo
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop


Si hace unos escasos días os comentábamos el regreso más importante del pop el segundo forma parte de la rama nacional. Ella lleva 5 años sin pisar un escenario (dicen que son 7, pero que yo recuerde el Chicas Malas es de 2003) y vuelve con más fuerza que nunca. Mónica Naranjo regresa oscura, acuática, y vuelve a demostrar que es una de las mejores voces del mundo, con Tarántula, su cuarto álbum, y el menos accesible de toda su carrera. Un disco plagado de elementos orquestales, de pellizcos electrónicos, mucha épica, mucha poesía, toques de rock industrial y detalles auditivos de un lado y otro. Un trabajo muy bien producido pero que no cumple con todas las expectativas, porque no deja de ser un disco de pop, con lo cual encontramos letras absurdas, canciones que intentan ser pegadizas pero que se quedan en eso, en el intento; temas reivindicativos que se mezclan con canciones de amor… Vamos, en resumen, Tarántula está pensado para vender, como todo disco de pop, pero intenta no parecerlo.

Las mejores son:

1. Europa [10]

El conocido primer single, mezcla ópera y techno (sin olvidar el pop, evidentemente) en un experimento perfecto que queda pegadizo a la vez que dispone de una complicada digestión. Una de las mejores canciones que encontramos en el nuevo álbum de la Naranjo, y una buenísima muestra de lo que es capaz de hacer con su voz. La letra es oscura, igual que el tema, el que, por cierto, dispone en la versión álbum una introducción preciosa.

2. Todo Mentira [9]

“Voy a luchar, voy a vivir, voy a olvidar el dolor, el dolor. Voy a creer, quiero sentir, siento poder, porque puedo aguantar sin ti”. Así empieza el enorme segundo temazo del disco. Es uno de los más rockeros, con un estribillo lleno de rabia. Lo peor es esa mierda de rap que se pega la catalana: “Decide ya sin ser sentimental quién te ha dicho la mentira o la verdad; decídelo, sólo tú... ”. “Todo Mentira” sigue el álbum de una manera BRU-TAL. Excelente tema, en serio.

3. Usted [10]

Primer tema reivindicativo del disco. Una letra que critica la política y la corrupción, o eso creo. Es una canción con muchísima fuerza, pero menos que la anterior. Empieza con una pequeñísima intro que parece de Marilyn Manson, y sigue con la curiosidad más grande del disco: ese fantástico cambio de voz de Mónica Naranjo. Hace de niña primero, y de mujer después. Es un cambio tan brusco y tan inesperado que asusta. INCREÍBLE. Por cierto, esta canción combina el rock con toques de nana y ópera.

5. Amor y Lujo [10]

O “Europa #2”, esta canción muestra la enorme capacidad vocal de la Pantera convertida en Tarántula, y combina, de nuevo, la tranquilidad del principio con el techno borde del estribillo. Empieza con un piano muy agradable, pero la guerra está por venir. “Héroes adorados tan ciegamente…”, vaya canción, es grandísima. “Soy la desesperada, la sombra del amor fugaz, la que tuvo y lo perdió todo… LA QUE NO SE ARREPIENTE DE NADA. ¡La piel de gallina! Promete como segundo single.

6. Idilio [10]

Se echaba de menos, después de tanto chumba-chumba, una canción como ésta: Metafórica, épica, experimental, y muy ambiental. “Idilio” podría ser de Enya pero no, es del nuevo trabajo de Mónica Naranjo. Es muy lacrimógena, una canción muy bonita, muy aérea… un diamante.

11. Revolución [10]

Es la mejor canción del disco. Es un tema que parece que nos va a dejar fríos porque te pasas toda la vida esperando el maldito momento álgido que jamás llega, y te das cuenta de que es así, sin más, enorme. Su estribillo es grandísimo. De nuevo nos vuelve a hablar de libertad pero con un tema mucho más original, pegadizo, oscurísimo y que pone de los nervios de lo grande que es.


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Madonna - Hard Candy

Caramelitos para todo el mundo

ÁLBUM: Hard Candy
ARTISTA: Madonna
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop


Evidentísimamente, uno de los dos regresos más importantes del año llega de la mano de Madonna, la considerada reina del pop, todos la conocéis, y es que siempre que saca nuevo disco se convierte en la vuelta a los escenarios más esperada del mundo. Después de su gran disco dance “Confessions on a Dancefloor”, la cantante de pop más respetada del universo viene cargadita de caramelos para todo el mundo. Madonna rejuvenece aún más con un disco que suena a chicle, un álbum pegajoso producido por el cara-topo de Timbaland y el rapero-productor Pharrell Williams, responsable, entre otras cosas, del tema “Why Should I Be Sad?" de Britney. Un disco criticado por facilón y soso. WATM le da tres puntos por ser un álbum donde no hay ni un solo tema que no suene a hit. No será mejor que el anterior, pero está muy bien, y mucho cara-topo, que Timba puede salir en todos los videos que produce y llegar a ser pesado en el sentido figurado, pero es el genio pop del momento, nadie lo puede negar.

Timbaland está de moda, y si Timbaland está de moda a Madonna le gusta, porque ella es moderna, con lo cual va a la moda y si se va a la moda se va con el productor de moda, que es Timbaland. Pero, sin embargo, el cara-topo sólo ha producido 5 canciones de 12 que contiene el disco, y aún así Hard Candy suena más a Timbaland que a otra cosa. Y hay cada letra que parece hecha por su hija, la de la uniceja, qué vergüenza… Pero bueno, las canciones son bailables, todas muy de cazuela (las bases parecen todas las mismas… parecen) y eso está bien. “Candy Store” es el incomprensiblemente incomprendido primer tema, muy pegadizo, facilito, suena cool y todo. Le sigue “4 Minutes”, el primer single, a dueto con el cara-topo y Justin Timberlake: mucho tick tack tick tack, mucho Hey Madonna… La letra es tan fácil que hasta un bebé la aprendería. “Give It 2 Me” y “Heartbeat” son los dos temazos que siguen a continuación. La primera, tal vez el tema más bailable de todos, donde hasta pequeños elementos electrónicos juegan el papel más importante. La segunda es preciosa, ese falsete de Madonna… El principio es muy, pero que muy Kylie Minogue.

Y en el puesto 5… ¡“Miles Away”!, seguramente una de las mejores canciones que ha grabado la Sra. Ciccone en toda su larguísima carrera, con un estribillo pegadizo y precioso. Habla de las duras distancias en el amor. “She’s Not Me” está bastante bien, pero no llega a ser de las mejores. A parte, yo no sé qué maldito afán tiene el cara-topo con alargar eternamente las canciones. Lo mismo pasa con “Incredible” que, por cierto, en vez de una canción parece un remix. Es la peor del disco, y demasiado extensa, con lo cual llega a aburrir hasta la saciedad. “Beat Goes On”, antes “The Beat Goes On” (un cambiazo, ¿eh?) parece haber pasado por el quirófano musical de una forma excelente, y mientras que antes era sosa ahora es una canción enorme, perfecta para escuchar un atardecer. Ah, y es a dueto con el rapero de moda, Kanye West. “Dance 2night” es la grandísima sorpresa: Comienza mal, muy mal, pero se vuelve muy bonita, muy original, y es de lo mejor de Hard Candy. “Spanish Lesson” de vergüenza ajena (atentos a la letra: “Yo te quiero means I love you, mucho gusto means I’m welcome to you. Señorita, I just wanna fall in love”. ¿Pero qué tiene que ver? Y lo mejor: “Yo soy loco means you drive me crazy”. ¿De verdad esta mujer pretende dar clases de español?, “Devil Wouldn’t Recognize You” es densa, muy de noche, con lluvia incluida y todo. Con ella comienza, según Madonna, la parte chill-out del disco, que termina con “Voices" la cual cierra el disco bastante mal, con esa base tan cutre. Lo mejor es el coro que dice “Who is the master and who is the slave?”. Eso sí es ser diva.

Para unos un chasco, para otros uno de los mejores discos de Madonna, que supera incluso al anterior. Para mí, un disco de pop muy chulo, muy disfrutable en todo momento, que entra muy rápido y no sale.


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Duffy - Rockferry

La Winehouse ya puede temblar

ÁLBUM: Rockferry
ARTISTA: Duffy
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop-Soul

Lo de Duffy tiene mucho mérito: A poco tiempo de haberse convertido la reinísima Amy Winehouse en la diva por excelencia del neo-soul británico, llega esta rubia con cara de chica buena, con unos hoyitos encantadores, y le hace sombra. Será, tal vez, por la poca explosión mediática que está adquriendo últimamente la polémica artista, pero Duffy tiene pinta de pegar igual o más fuerte con su ¿segundo? álbum Rockferry, en el cual encontramos una colección de 10 canciones (para qué más) que nos trasladan a los 60, y que construyen uno de los discos más hermosos y sólidos del año.

Rockferry, a pesar de la prensa, no es muy parecido al característico sonido de Amy Winehouse, por no decir que es casi nulo, pero todo es por poner algún parecido, como si ya no se pudiese inventar nada. Es puro soul moderno que roza incluso la vena country y toca con los dedos lo poco que se puede escuchar de jazz, eso por no hablar de la fusión de pop. Incluso algún tema que otro recuerda a Macy Gray. Es un álbum realmente emocionante, donde la particular voz de Amy Duffy juega un papel importante y quizá el más emotivo (su registro es brutal). Todos, absolutamente todos los temas que componen este magnífico álbum que ya está en nuestra lista de lo mejor del año se merecen la medalla de oro, porque ningunas tienen desperdicio. “Rockferry”, “Warwick Avenue”, “Serious” y “Sleeping Stone”, los cuatro primeros cortes del CD, son pura magia y melancolía, son temas de gran magnitud emocional, y las letras ya pueden ser como las de La Casa Azul porque te van a hacer llorar igual. “Mercy”, el primer single, es enorme, sin más.

“Distant Dreamer”, la canción que cierra este gran disco, “Delayed Devotion” (más soul y se rompe), “Syrup & Honey” (la acústica) y, en definitiva, cada uno de los temas de Rockferry son minutos y segundos de una brillantez estelar increíble. Así que dejadle paso a esta pedazo de promesa que va en camino, si ya no lo es, de nueva diosa de la música soul.


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Russian Red - I Love Your Glasses

No me llames Lourdes, llámame Russian Red

ÁLBUM: I Love Your Glasses
ARTISTA: Russian Red
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop-folk


El territorio español esconde verdaderas joyas en bruto que necesitan un repaso en algún medio de comunicación para darles más a conocer, como una revista –estamos casi seguros de que ella saldrá en la próxima edición de Go Mag-, algún programa de radio indie (Cara B, por favor, es un deber que pinchéis algún tema de esta chica en vuestro programa) o, por supuestísimo, una página de Internet como puede ser un blog, una web musical o, evidentemente, un Fotolog. Si los más de 500 amigos que nos tienen agregados a sus Favoritos fueran cuestionados con la pregunta “¿conoces a Russian Red?” poquísimos dirían que sí, sobre todo porque ella es una cantautora proveniente de Madrid, con lo cual en otros países poco se puede saber de ella. Es lo que tiene Internet, que es una maravilla para conocer otros artistas. La actualización de hoy, os lo aseguramos, es una de las más importantes que hemos hecho desde el estreno de Wearethemusic. Russian Red es la nueva y brillante promesa del pop-folk nacional, un diamante con una voz única, inconfundible y asombrosamente hermosa. Su primer disco, I Love Your Glasses es, irrefutablemente, uno de los trabajos más enormes de este año.

Está claro que el sonido internacional juega el papel importante en la música española actualmente, más bien porque si el país tuviera que vivir de la música patria, no nos comeríamos una rosca. Ejemplos son rtistas y/o grupos como Deluxe, Love of Lesbian, Aroah, The Sunday Drivers, Single, Najwa, Lori Meyers, Refree, Travolta, y un puñado más de buenísima música de aquí con el sonido de allá. Se apunta al carro, con aires frescos y novedosos, una joven chica madrileña de 22 años, de nombre Lourdes Hernández, que con su banda de músicos forma la revolución musical del momento: Russian Red. Su música es una combinación perfecta de folk americano y pop intimista, cálido, que a la vez le acompaña un discreto atisbo de country, con la calma, claro. Pero, incuestionablemente, lo que más hace especial a Russian Red es su voz. ¿Habíais escuchado alguna vez algo parecido? Nosotros ya la tenemos en el altar de las mejores voces españolas del momento.

Pero hablemos un poco del álbum. I Love Your Glasses es una original compilación de 12 canciones preciosas, elegantes, naturales y sangrantes de emoción. Así, todo poético. Y es que el álbum es pura poesía, pura realidad, puro todo, como su voz, tanto su timbre como su fuerza y su dulzura. Una voz aguda pero suave, pero a veces rasgada, que coge de la mano a unas canciones enormes. ¿Las mejores? “Cigarettes”, “Gone, Play On”, “Nice Thick Feathers”, “No Past Land”, “They Don’t Believe”, “Take Me Home” y “Timing Is Crucial”. ¿Una curiosidad? Que la tía, con toda la chulería del mundo, se atreve a hacerle un cover a una de las más grandes estrellas del pop de todos los tiempos: Cindy Lauper, y su mundialmente conocido “Girls Just Want to Have Fun”. Eso sí que es una buena versión, y no lo que hace Xiu Xiu con “Isobel” de Björk, por poner un burdo ejemplo. Vamos, para acabar, que viva tú, Lourdes, viva Russian Red. Te queremos.


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Alizée - Psychédélices

Psicodelicias francesas: Alizée se hace mayor

ÁLBUM: Psychédélices

ARTISTA: Alizée

AÑO: 2007

GÉNERO: Pop

Hoy dedicamos el día a hablaros de una cantante francesa con un sonido pop chicle, rosa, feliz y colorista que tiene enamorado a todo el país galo, y a otros países también, pero no tanto. Alizée es archiconocida por uno de los temas pop más importantes del siglo XXI, y diríamos que del mundo: “Moi… Lolita”, perteneciente a su primer y brillante álbum Gourmandises. Sin embargo, en 2003 la cantante daría un paso más adelante con, de momento, su segunda y mejor entrega: Mes Courants Eléctriques. Cuando empezábamos a saber más sobre este nuevo disco, lo que más nos impresionó es la ausencia de Mylène Farmer, la productora de los dos anteriores LP’s de la francesa. Claro, uno piensa que esto va a ser un churro, y más pensando en la maldición de los terceros discos. Pero no, el disco es una maravilla poppie, que combina rock con pop electrónico. Es decir, el típico ‘disco maduro’ de un artista (claro que, más le valía después de tener un hijo y casarse). Muy bien por Alizée.

Psychédélices tiene hits indiscutibles, temas pop con fuerza, pegadizos y enérgicos. No obstante, las bajadas existen, así que no podemos hablar de un disco perfecto –Alizée no tiene pinta de ponerle nombre a un disco perfecto, de momento-. “Mademoiselle Juliette", una historia romántica con un video muy divertido, es uno de esos hits de los que hablamos. La voz de la cantante, por cierto, le hace ganar puntos. Esta canción es un tema pop grandioso –tampoco hablamos de un “Europa” de la Tarántula Catalana, pero la cancioncilla se queda pegada al cerebro; tanto que cuesta de eliminar, por eso es tan grande-. “Fifty Sixty” es, naturalmente, la mejor del disco. Un corte rockerillo con un estribillo perfecto, y con un videoclip de esos que merecen 200 premios, por lo menos. Con “Mon Taxi Driver” llega una pequeña bajada, pero es una de esas canciones que ganan con el paso del tiempo, porque uno se puede dar cuenta de que la canción es bonita y de que tiene detalles muy cuidados.

Le sigue “Jamais Plus". Esta os dicen que es de Yelle, y os lo creéis. La base electrónica no puede ser mejor, pero al poco tiempo se inicia un estribillo rockero y deja de parecer de Yelle. Es genial, una de las mejores. Seguidamente encontramos el tema que da título al álbum: “Psychédélices”. Es una canción lenta, con un toque experimental muy remarcado pero que no acaba de encajar del todo en el disco. A la primera escucha pasa desapercibida e incluso puede parecer aburrida. “Décollage” y “Par Les Paupières” son, por excelencia, los polos opuestos del disco. Por un lado, “Décollage” es una canción hip-hopera tan de moda en Francia ahora mismo, pero de calidad, no es una pieza cutre o mediocre como alguna que otra de la horrible Diam’s. Y por el otro, “Par Les Paupières” suena melancólica, es muy bonita y una de las mejores de la tercera entrega de Alizée. El ritmo bailable vuelve con “Lilly Town”, que apunta muy fuerte a ser el siguiente single. Ya veremos, pero diciéndoos esto ya podéis imaginar por dónde va el temita. “Lonely List” nos retorna al sonidillo electro-rock que tanto se hace patente en estas once psicodelicias. No es de las mejores. “Idéaliser” debería ser considerada como una de las mejores canciones de esta joven cantante. Empieza con un sonido de piano que se hace constante y deja paso a unos sonidos oscuros. Parece el capítulo núm. 2 de su tema “Tempête”, pero sin parecer ambientada en una guerra mundial, o algo. Es decir, que es de lo mejor del LP.

Psychédélices finaliza con “L’Effet”, con un título que muy bien podría ser de la señora de Sarkozy, pero no tiene absolutamente nada que ver con la cantante/modelo/primera dama. Si antes os hablábamos de “Jamais Plus” y Yelle, es imposible no decir que “L’Effet” parece de Emilie Simon. Sí, de Emilie Simon, y sí, también tiene sonidillos raros. Un tema frío, lento. Una fantástica manera de acabar el disco. NO es el mejor larga duración de Alizée, pero vale muchísimo la pena por inesperado y por contener cortes pegadizos a la par que lentos e incluso con un toque experimental, porque si hay algo que no le falta a Psychédélices son detalles auditivos. Un álbum infravalorado, pero un gran disco, sí señor.

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Ladytron - Velocifero

Bienvenidos, estáis en Velocifero

ÁLBUM: Velocifero

ARTISTA: Ladytron

AÑO: 2008

GÉNERO: Electroclash

Parece haber pasado una eternidad después de aquel paso al electro-pop de Ladytron que fue el gran Witching Hour, lanzado en 2005, y que tuvo como uno de sus singles una de las mayores canciones grabadas por la banda desde su creación: “Destroy Everything You Touch”. Hoy, más chulos que nadie, os ofrecemos la que sea posiblemente la primera crítica del nuevo y esperadísimo disco de regreso de los británicos: Velocifero.

Velocifero sería, en resumen, uno de los mejores comebacks de este 2008. Mientras no llegue el día que la banda edite un mal disco, es fácil conformarse con uno de los LP’s por excelencia de este año que, como se puede observar, viene plagado de grandes regresos (Xiu Xiu, Miss Kittin, Najwajean, o los mismos Ladytron). Este disco, por otra parte, supone un retorno a las raíces más ochenta’s, donde los golpes de batería se hacen patentes y se dejan de lado las bases electrónicas de club electroclash, que por suerte no desaparecen. Cabe destacar, también, la densidad que contiene cada corte del disco; una densidad nocturna, aplastante e hipnotizante. Canciones con una fuerza sobrenatural y única.

Los ejemplos más directos serían las tres primeras grandes piezas: “Black Cat”, “Ghosts” (primer sencillo) y “I’m Not Scared”. Cortes como “The Lovers”, “Burning Up”, “Deep Blue”, “Seasons of Illusions” y “Predict the Day” son el enorme resultado de un trabajo que ha tardado en llegar un total de tres años.

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Najwajean - Till It Breaks

This is not a crime

ÁLBUM: Till It Breaks

ARTISTA: Najwajean

AÑO: 2008

GÉNERO: Vanguardia nacional

Dos son los trabajos que ha presentado la pamplonesa Najwa con el productor Carlos Jean. En 1998 se introdujo en el mundo de la música electrónica (concretamente en el trip-hop) con No Blood, y diez años después regresa la pareja Najwajean con Till It Breaks, un álbum que sorprenderá a más de uno y dividirá opiniones entre fans. A nosotros nos parece uno de los mejores trabajos de este año.

Dejando de lado los sonidos electrónicos de su primer álbum, Najwajean ha sabido volver a la escena vanguardista nacional con un álbum mucho más oscuro, incluso más que No Blood, donde la batería y las guitarras eléctricas toman las riendas de un disco que se avecina brillante desde el primer track y que recuerdan a los mejores The Cure por un lado y a unos espléndidos Garbage por otro. La voz de Najwa, por otra parte, es irreconocible comparada con la dulce y suave tesitura que iluminaban cada uno de los cortes de Walkabout, que por cierto, es un disco precioso. En definitiva, el disco rock de Najwajean.

Till It Breaks arranca sorprendiendo con “Illness”, una canción nocturna, pop-rock de alta calidad, aérea, gravedad 0. Lo mismo ocurre con “For Me Tonight”, tema que, a diferencia del anterior, suena más melódico y en su ecuador más intenso, donde las guitarras eléctricas toman protagonismo. Seguidamente encontramos el primer single de este disco, “Crime”, que no refleja una mínima parte toda la magia que contiene el álbum, pero sí deja un muy buen sabor de boca al ser un magnífico single con un estribillo muy pegadizo y muy Najwa. “Death Warm” ocupa el puesto número 4 del disco: una canción potente, con un mar eléctrico –que no electrónico- lo cual hace de ella algo muy interesante. “I Wish the Cat Would Talk” es el tema siguiente, y también el que cambia por completo la tenebrosidad del LP, pero tiene unos coros preciosos -y que se quedan enganchados en el cerebro durante todo el día (experiencia propia)-. A continuación, diversión a tope con “Hookers”. Posteriormente, la canción con más sonido The Cure de todo el disco, que mezcla melodías dark con baterías fuertes y arreglos electrónicos rasposos que juegan con la estereofonía: “Gold Note”. Después se elevan los guitarreos pseudo-metaleros con “Frontier” (muy, muy Garbage) y “Don’t Try”, que de nuevo contiene un ritmo bailable y que además incorpora un nuevo sonido al disco: El piano, creando un ambiente jazzie muy agradable, a lo que le siguen después los susurros de una Najwa que parece estar pasándoselo en grande con el temita. “Singing” es el track más sorprendente: se hace patente el gran paso que ha dado la pareja para llevar su sonido hacia el lado más acústico, más de banda –como Pastora-, y esta canción es rock industrial a más no poder. “Drive Me” es una fabulosa mezcla pop-rock y electrónica, noctámbula, inquietante. Y por último, “Wanna Be”, una gran mezcla de rock, punk y mucha, mucha locura.

Este trabajo nos tiene eclipsados. Esa Najwa tan diferente a sus mejores trabajos como solista nos ha encantado, y mirad que siempre queda esa duda de si va a decepcionar. Pues esta vez la sorpresa ha sido muy agradable. Esperamos que esta pareja de grandes músicos vuelvan a trabajar juntos, al menos, hasta que se rompan.

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Hot Chip - Made In The Dark

Oscuridad agridulce

ÁLBUM: Made In the Dark

ARTISTA: Hot Chip

AÑO: 2008

GÉNERO: Electrónica

Los de Hot Chip seguro esperaban críticas negativas sobre su nuevo disco. O tal vez no. El caso es que, después de años entregando discos tan bailables como exquisitos (The Warning es inmejorable) , la banda parece haberse estancado en unas cuantas baladas que no les pegan nada. No os vamos a engañar, igualmente: El disco tiene temazos. Y no exageramos si decimos que son temazos de 20, de estos que te dejan con la boca abierta, pero de este disco se esperaban muchos más temazos y la verdad, es cuanto menos decepcionante. Las baladas por no ser no son ni pegadizas. Pero a Made In The Dark le damos el aprobado por habernos regalado cuatro de las mejores canciones bailables de este 2008 tan soso que estamos teniendo.

“Out at the Pictures” es la primera canción del álbum, y la mejor. Es divertida, pegadiza, original, con un estribillo que frena impresionante. Es genial, y también un pedazo de comienzo para un álbum que apunta a ser de lo mejor de Hot Chip. Por suerte la esperanza no se pierde ni con la oscura “Shake a Fist” (Out and out and out, out and out and out, shake a fist and let’s breathe it in without, gran estribillo) ni con el pedazo de hit bailable que es “Ready For the Floor". El disco sigue con “Bendable Poseable”, y confirma que Made In The Dark es, seguro, uno de los discos de 2008. Pero por desgracia, todo cambia cuando llegan “We’re Looking For A Lot of Love” y “Made In the Dark” (¡con piano!), que son un poco “¿y esto qué pinta aquí?”, aunque están separadas a nuestra suerte por “Touch Too Much”. Entonces con esas dos llega la gran decepción: Un dúo de baladas sin sentido que no pegan ni con cola. Le siguen, al menos, “One Pure Thought” y “Hold On” (esta última mejor canción bailable del 2008 junto a las tres primeras), que auguran un disco que puede acabar aceptablemente. Y no. “Westlers” lo estropea todo por ser una canción de relleno tan larga como aburrida (y que, atención, contiene uno de estos mensajes subliminales en español: "esnifas". Escuchadla y os daréis cuenta), “Don’t Dance", aunque es una canción muy bailable, es demasiado experimental y después de todo, la verdad, no arregla nada. Para colmo, el disco termina con dos baladas: “Whistle for Will” e “In the Privacy of Our Love”, así que por fin tenemos la conclusión: ¿Esto qué es?

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Xiu Xiu - Women As Lovers

Fantástico desastre

ÁLBUM: Women As Lovers
ARTISTA: Xiu Xiu
AÑO: 2008
GÉNERO: Experimental Noise Pop

Escuchar a Björk siempre ha tenido una clara ventaja: Las ganas de descubrir más. No sabemos si a vosotros os ha pasado, pero a raíz de haber conocido su carrera y haber escuchado sus canciones siempre hemos tenido algo dentro que nos pedía más música. Dentro de esta música entra el género experimental, donde múm, Sigur Rós o incluso Efterklang forman parte de la lista de descubrimientos musicales provenientes del anterior conocimiento de la islandesa. Y pasa el tiempo, y creemos que ya no conocemos más grupos, y nos topamos con una gratísima sorpresa: Xiu Xiu. Y aunque sea una sorpresa, no es una banda nueva, porque llevan seis años siendo uno de los mejores referentes del panorama indie experimental, además de tener a sus espaldas un total de seis álbumes grabados. El último, uno de los mejores discos del 2008, es Women As Lovers.

Para el que no tenga muy claro que es eso de “experimental noise pop”, no es más que un calificativo que podría resumir el sonido de Women As Lovers, pero que también encasilla al grupo, si es que ya no lo está. Decimos esto porque, a parte de la grave voz de su cantante Jamie Stewart, el sonido de Xiu Xiu es posiblemente uno de los más característicos, personales e influyentes de la escena electrónica. Su música es ruidosa, sin ser pesada; sus melodías son aplastantes, sin hacer daño; y por si fuera poco, les sobra tiempo para convertir sus canciones en temas pop fríos, dulces por un lado y rabiosos por otro.

Después de esto os preguntaréis –o no-: ¿Por qué tres estrellas? Porque, simple y llanamente, el anterior disco de la banda, The Air Force (2006) es lo mejor que han hecho hasta ahora. Women As Lovers se merece, de todas formas, un merecido puesto de honor como lo mejor del año, pero vendría a ser un poco como Volta de Björk: No es ni de lejos lo mejor que han hecho, pero siempre es agradable escuchar nuevos temas. Claro que, como el disco de la islandesa contiene una de las más enormes canciones que ha grabado en toda su vida (“Vertebrae by Vertebrae”), Women As Lovers no es menos y en él podemos escuchar una de las mejores joyas que nos ha podido entregar la banda en mucho tiempo: “I Do What I Want, When I Want”, el corte que empieza el disco. Y acabando, debemos deciros que, igual que Björk, Xiu Xiu nunca ha hecho ni hará un mal disco. Ahí queda.

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Goldfrapp - Seventh Tree

El disco pop de Goldfrapp


ÁLBUM: Seventh Tree
ARTISTA: Goldfrapp
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop/Folk

Alison dice que jamás vio en Seventh Tree ni una ligera intención de sonar pop, e incluso pensó que no le iba a gustar a nadie. Definitivamente el nuevo sonido de Goldfrapp no tiene absolutamente nada que ver con lo anterior: Felt Mountain es un disco oscuro, Black Cherry un álbum de pop electrónico y Supernature una grabación (casi)completa de hits bailables... Y Seventh Tree es un disco de pop, aunque, claro está: hay muchos conceptos sobre la palabra "pop". En este caso, nos referimos al que es posiblemente el disco menos accesible de Goldfrapp, pero a la vez el más pop. Sin duda, una paradoja tan desconcertante como maravillosa.

A la primera escucha es imposible un enganche directo, debido tal vez a lo poco acostumbrados que estamos a este sonido de un grupo que siempre se ha caracterizado por formar parte de la escena pop electrónica, y que ahora trasladen su música a un sonido más folk es chocante. Y sí, hemos dicho folk, porque a lo mejor es por eso que Seventh Tree es tan poco accesible, siendo un disco de pop.

Vale, no es un experimento novedoso en el mundo de la música, pero sí en el universo de la banda liderada por Alison Goldfrapp. Seventh Tree se convierte en uno de los mejores discos de pop que se han podido escuchar en muchos años, con canciones tan espléndidas y brillantes como "Cologne Cerrone Houdini", "Happiness" (próximo single, de hecho ya tiene portada), "Little Bird" o "Caravan Girl". Un álbum de 10 canciones grandes, con altibajos en la primera escucha, pero ya se sabe que las primeras escuchas son siempre las peores (no nos dicen nada). Un álbum que crece y crece a medida que crecen también las escuchas.

Escuchadlo una y otra vez, os sorprenderá y os encantará. Nosotros ya lo tenemos en cabeza como mejor disco del 2008. Una maravilla.

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Portishead - Third

El tercer universo de Portishead

ÁLBUM: Third
ARTISTA: Portishead
AÑO: 2008
GÉNERO: Trip-hop


Parece mentira que después de diez año podamos hablar por fin de un nuevo disco de los británicos Portishead. ¿Por qué? Porque diez años son muchos y se hacen más largos teniendo en cuenta qué clase de grupo es (el mejor de la escena trip-hop después de los dioses Massive Attack), qué discazo tiene a sus espaldas (Dummy, una obra maestra del género), y por último, cuál es la voz de la banda (la espléndida Beth Gibbons, una de las voces de los años 90, junto a PJ Harvey, Björk y Tori Amos).

Dummy fue el último LP de estudio de Portishead, editado en 1998. Tras diez años después se presentan una única vez en España, al Primavera Sound, y en abril sale a la venta su nuevo y esperadísimo tercer disco. Ellos lo han titulado Third y se han quedado tan panchos.

Third es un disco novedoso en cuanto al sonido de Portishead, al menos en unas cuantas canciones. Por una parte, dejan de lado los hyper-beats para entregar un sonido ligeramente más acústico, menos funky, y para darle más importancia a la voz de la cantante (“Hunter” “Magic Doors”o la innecesaria “Deep Water”). Sin embargo, encontramos en gran parte del álbum canciones tan electrónicas como hipnóticas (“Machine Gun”, “Small”, “The Rip”, “We Carry On”…)

Si os decimos la verdad, y creemos que estaréis de acuerdo, Dummy es insuperable, es el gran disco de una de las mejores bandas de electrónica del planeta, la obra cumbre de Portishead, y con toda la sinceridad del mundo y sin ánimo de decepcionar, Third no es ni siquiera mejor que su primer disco. Pero románticamente hablando (como diría Milkyway, cuestión de romanticismo) su tercer disco es una de las mejores obras que ha dado de momento el aburrido comienzo musical de 2008.


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Pastora - Circuitos De Lujo

Los circuitos de Pastora

ÁLBUM: Circuitos de Lujo
ARTISTA: Pastora
AÑO: 2008
GÉNERO: POP

Inauguramos con el recién salido del horno Circuitos De Lujo, el eléctrico tercer disco de los barceloneses Pastora, que nos entregan un trabajo con un sonido más 'de banda', como dicen ellos, menos dirigido al sonido mediterráneo del ordenador y más hacia el pop mainstream con unas letras tan intelectuales como siempre, que si no las captas desde el principio tienes que apretar al botón "«" de tu reproductor musical para enterarte de qué va la historia. Y decimos lo de 'pop mainstream' porque si escuchamos su segundo single "Grandes Despedidas" no hay que ser muy listo para darse cuenta de que no suenan como los Pastora de antes, como los Pastora de "Lunes" o "Archivo de Palabras Tristes", e incluso podemos decir que no suenan ni a "Cuánta Vida", cosa que estaría la mar de bien, porque en principio el nuevo disco iba a ser más bailable.

En todo caso, las letras siempre ayudan, porque si algún compositor de Vale Music les hubiese compuesto las letras, estaríamos ante el mayor fracaso discográfico de los catalanes, pero por suerte, son inteligentes y componen su música.

Bueno, qué con tanto rollo, el caso es que Pastora nos han vuelto a sorprender y sí, lo han hecho para bien. Cierto es que no estamos ante uno de los mejores discos del año recién empezado, pero siempre es agradable escuchar nuevos temas de uno de los mejores grupos nacionales que ha parido España.


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