Elegi - Sistereis

La sombra del silencio

ÁLBUM: Sistereis

ARTISTA: Elegi

AÑO: 2007

GÉNERO: Neoclásico

Misterioso y oscuro es Tommy Jansen, un hombre noruego que ha lanzado a la venta su primer álbum como si se tratase de un algo menudo, sin importancia. Suponemos que él ha estado trabajando intensamente para elaborar tal obra maestra, pero la crítica no ha hecho mucho caso de él y poco se puede leer. Ahora nosotros le dedicamos el día a este chico que se hace llamar Elegi. Quedaos con su nombre, no habrá desperdicio.

Tommy Jansen es un gran aficionado al submarinismo, y ocupa gran parte de su tiempo buceando bajo los grandes mares. Su disco, Sistereis, de 'electro-dark-ambient' por decirlo de algún modo, parece estar más que influenciado por sus salidas marítimas. Tanto que, sin parecer quererlo, ha elaborado una obra maestra que suena como si se hubiese sumergido en los mares donde se hundió el Titanic y se pusiese a observar e investigar cada pared, cada puerta y cada habitación de lo que queda del que sigue siendo el barco más famoso de la historia. Un primer LP neoclásico, lleno de matices electrónicos pero acompañado de unos arreglos de cuerda (sobre todo piano y violoncelo, aunque también encontramos vientos muy oscuros) que convierten a Sistereis es un disco ambient imprescindible para los amantes de dicho género.

Una pequeña estrella casi anónima nació en 2007 con el discreto pero calidoso Miasmah. Un minucioso álbum apareció casi de la nada llenando la oscuridad con unos intrigantes pero calmados sonidos submarítimos. Una obra maestra surgió y no hay que dejarla pasar. Las pequeñas cosas se olvidan, pero si las coges pueden ir creciendo. Sistereis es un álbum que crece por momentos, no os olvidéis de él. Esperad a una sosegada noche de invierno para ponerle los oídos a Elegi. Como creador de una obra maestra, hay que prestarle la máxima atención, donde un día soleado no tiene lugar. Prestádle atención a todos los temas, sin exclusión. No es un disco aburrido, sino interesante. Si en realidad estas cosas llenas de sonidos que juegan con la estereofonía y se pierden en la nada, son muy divertidas. La gente que diga que es un álbum aburrido o tiene mal gusto, o no ha prestado atención. Así de claro.

Ha llegado el momento del descubrimiento. Os dejamos con el tema "Fyrtårnet Part 2", un viaje infinito en la nada submarina. Qué grande es Elegi, y qué gran desconocido. Bajáos el disco, con esta canción no es suficiente, pero para que os hagáis una idea:

http://www.goear.com/listen.php?v=3d4906d

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Stina Nordenstam - And She Closed Her Eyes

Tardes... de lluvia

ÁLBUM: And She Closed Her Eyes
ARTISTA: Stina Nordenstam
AÑO: 1994

GÉNERO: Pop escandinavo


Los días de lluvia son bonitos por varias razones: el cielo se vuelve de un azul oscuro precioso, el sonido de las gotas tocando el suelo son la relajación convertida en agua, el frío se vuelve agradable y más en si es invierno. La música, por otro lado, es una grandísima aliada para esos días. Stina Nordenstam hace música para tardes lluviosas, para días nublados, noches frías y mañanas frescas. Esta escandinava encandila la vida. Y estas tardes de las que os hablamos se disfrutan más con And She Closed Her Eyes. ¿Que no? Probad. Pero hoy no, que no llueve.

Kylie Minogue - Fever

Cuando el pop hace historia

ÁLBUM: Fever
ARTISTA: Kylie Minogue
AÑO: 2001
GÉNERO: Pop-Dance


Con toda la sinceridad del mundo, es muy difícil hacer una crítica de un clásico. Las críticas suelen ser sobre nuevas obras, discos nuevos de artistas consagrados alabados allá por donde van y adorados por el mundo entero o apenas conocidos que buscan un lugar en el panorama musical y conrear su estilo a base de trabajo y buenos discos que lleguen a nuestros oídos de una manera discreta, o simplemente trabajos de alguien muy admirado, para darles a conocer, para bien o para mal, evidentemente, al público. De hecho, el trabajo de un crítico es eso, pero suponemos que habrá críticos que, por qué no, echen la vista atrás y vuelvan a escucharse ese disco que tanto les gustó entonces y que marcó una época de su vida. Kylie Minogue habrá marcado la vida de alguien, suponemos. La nuestra no, claro está, pero sí tenemos este Fever como un álbum protegido. Se le coge cariño a través de los años y es que deja en el pasado clásicos como la copa de un pino que terminaron por culminar la carrera de una de las cantantes de pop más valoradas de los últimos 20 años (es su disco más vendido, llegando incluso a alcanzar los nueve millones de copias en todo el mundo), y que ha sabido mantenerse en forma a través de hits pegadizos, en ocasiones novedosos y siempre acompañados de una cuidadísima imagen. Si es que su vida es casi paralela a la de Madonna, sólo que ella es menos polémica y su último disco no ha pegado tan fuerte como los caramelos duros de la pseudo-negra que nos pretende enseñar español. 5 estrellas le damos. No es una obra maestra, pero es lo mejor de la australiana. ¿Alguien no está de acuerdo?
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¿Quién no se acuerda de aquel mítico “I Can’t Get You Out of My Head”? Ese coro que alzó hasta el cielo la carrera –que ya era larga- de Kylie Minogue… evoca una nostalgia increíble. Su “la la la” constante, repetitivo pero precioso, es mejor que Massiel –bueno, todo es mejor que Massiel-, su fresca nocturnidad, el aire a club con luces de neón… Después está “In Your Eyes”, que conserva, al igual que la anterior, un punto de noche, pero esta vez guarda más locura. No nos podemos olvidar del genial “Come Into My World”, que se promocionó con uno de los mejores videoclips de la historia del pop jamás creados. Por supuesto, todo esto sin dejar de lado la fantástica “Love at First Sight”. Pero la fiebre dance no acaba ahí. El disco recoge genialidades pop a raudales: “More, More, More”, “Dancefloor”, “Give It To Me”, “Burning Up”, “Love Affair” o “Fragile” son los temas más destacables de una grabación esplendorosa e imprescindible para los amantes del pop.

Broadcast - Tender Buttons

Un cuento musical

ÁLBUM: Tender Buttons
ARTISTA: Broadcast
AÑO: 2005
GÉNERO: Electrónica


Érase una vez un conjunto de amigos con buen gusto musical. Ellos eran innovadores, arriesgados, fans de la electrónica. Una vez soñaron con que el rock y la electrónica podrían formar un híbrido perfecto, que tuviera una hermosa monotonía, una belleza sobrenatural, una oscura frialdad, pop culto. Canciones pegadizas a la vez que distorsionadas. Su sonido era diferente y claustrofóbico, lograban elaborar planas pero bellas armonías, con un toque retro, con pocos contrastes pero que ponía de los nervios, era muy eléctrico. También era algo frívolo, muy pensado… muy inteligente. Tenía un sabor muy técnico, y sus notas manifestaban una rabia escondida en timidez y reservación. Y cómo no, a “eso” le pusieron un nombre: Tender Buttons.

Justice - †

La musique est une religion

ÁLBUM: †
ARTISTA: Justice
AÑO: 2007
GÉNERO: Electrónica


Las comparaciones son odiosas, pero en el campo musical son necesarias para explicar qué es lo que hace un artista. En el caso de los franceses Justice es inevitable la comparación con sus padres –artísticos- Daft Punk. De hecho, al lado de ellos Daft Punk parece una abuelada, algo que ya no está de moda, porque ahora se lleva la new-rave, y Justice marca tendencia. En todo caso, Justice no son ni de lejos lo que son –y fueron- sus predecesores, que con mucha maña consiguieron introducir la música electrónica en el mundo pop. La banda de la que hoy os hablamos ha sido aclamada por la crítica, sobre todo por su hit “D.A.N.C.E.” que sin duda ha marcado un antes y un después en el mundo de la moda, pero a pesar de sus coros de niños tan original, su primer álbum † no aporta nada nuevo: Música electrónica bailable pop de club. ¿El pero? Que es uno de los Discos 07. Algo innovador tendrá, vamos.

Melodías arrugadas, beats despampanantes, hipnotismo nocturno: la electrónica es una religión. Al menos eso parece con Justice, que entregan uno de los discos más sólidos del año pasado. Insistimos: No producen nada nuevo. Las guitarras y las voces distorsionadas, el punk introducido a la electrónica, el house pegado al pop, las canciones cortas e intensas, el electro-rock underground… eso ya lo inventó Daft Punk hace casi diez años y por esos son conocidos –y criticados-. “Phantom” recuerda a “Robot Rock”, por ejemplo. Y os preguntaréis, ¿qué es lo innovador? Que Daft Punk no hacía electrónica elegante –o al menos no tanto-, la cual apreciamos en temas como “The Party”, “Valentine” o el single de presentación y ganador de un MTV Music Award “D.A.N.C.E.” –tiene algo de elegante, la verdad-. Lo malo es que cuando uno escucha el disco tiene ese sabor a déjà vu, como de haberlo escuchado antes, y es que canciones como “Genesis”, “Phantom”, “Stress” o “Let There Be Light” son totalmente daftpunkeras. Que sí, que sí, que no vamos a negar la absurda evidencia: El disco es buenísimo, y los singles han sido muy bien elegidos (no nos digáis que “Waters of Nazareth” no es una de las mejores piezas de electrónica que se han parido nunca), pero los reyes ya sabemos quiénes son. Hombre.


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Bebe - Pafuera Telarañas

Fuera complejos, quiérete

ÁLBUM: Pafuera Telarañas
ARTISTA: Bebe
AÑO: 2005
GÉNERO: Pop


Se dice que su nuevo disco se está cocinando, pero noticias hay pocas, y la espera es grande, así que lo único que podemos hacer para saciar nuestro apetito musical con Bebe es escuchando su álbum de debut, el original Pafuera Telarañas, producido por Carlos Jean, también productor del último álbum de Najwajean. El disco tiene mucho sentimiento, se nota que la medio valenciana medio extremeña sabe cómo expresar sus emociones a través de unos temas con mucha fuerza y letras magníficas. Fue uno de los debuts del año y su primer single “Malo” fue de lo más radiado y seguro se recordará como clásico de la música nacional que merece ser. ¿Aún no lo habéis escuchado?

Conocemos muchos discos con un principio perfecto; entre ellos el primer álbum de Bebe no se queda atrás. “Men Señará” es una de las mejores piezas incluidas en este disco, donde la producción de Mr. Jean es más que evidente. Naturalidad no le falta. Tampoco podemos dejar de comentar la genial “Como los Olivos”, en la que encontramos una chispa de sonoridad sureña encantadora y, cómo no, ese pellizco ska que tanto parece gustarle a la cantautora (“Ska de la Tierra” es el mayor ejemplo). En ella se escucha una de las mejores frases de todo el disco: “Te robaré algun camello para amarrarlo a las trenzas de mi pelo”. Genial.

Las canciones de pop íntimo encajan en el disco a la perfección. “Siempre Me Quedará”, uno de los mejores singles que ha servido para promocionar el primer LP de la desaparecidísima intérprete, es un corte ensoñador. “El Golpe”, más de lo mismo, aunque más enérgico. “Cuidándote”, de musicalidad aparentemente incomprendida –alguien pensará que no concuerda mucho con el resto de temas- es una de las baladas más preciosas y emotivas del universo, y sin exagerar. Simplemente su pausadas notas se posan en el cerebro de un modo hipnótico y maravilloso, y su letra es de lo más hermoso que alguien puede escuchar en siglos. “Revolvió” cumple su objetivo: ser dulce. La canción tiene un color pastel increíble y muy bonito; es un tema sencillo a la par que sugerente. Y además da hambre (“La vino a revolver con bollitos y miel”).

Los temas reivindicativos no pasan desapercibidos: La mencionada “Ska de la Tierra” lo dice todo con su frase “la Tierra está malita, necesita medicina y un poquito de amor que le cure la penita que tiene”; “Malo”, su tema más famoso, trata el tema del maltrato de género, y “Ellas” es un bonito homenaje a la mujer.


Musicboy & Musicgirl

Bart Davenport - Maroon Cocoon

Relajandonos con Maroon Cocoon

ÁLBUM: Maroon Cocoon
ARTISTA: Bart Davenport
AÑO: 2005
GÉNERO: Pop


Hoy apostamos por algo que no se pasa de los límites, que no apuesta por innovar con sonidos, ni electrónica por medio, es más clásico; guitarra, voz y algún que otro instrumento, pero no por eso va a ser malo, al contrario. Se trata de Bart Davenport, nunca habíamos hablado de él, y quizás haya llegado el momento. En concreto nos vamos a centrar en su tercer disco en solitario, después de haber trabajado con The Loved Ones, se llama Maroon Cocoon.

Maroon Cocoon salió de los estudios el año 2005 y fue un regreso a los años 70, son sonidos frescos, melodías tranquilas y ritmos relajantes.

El álbum empieza su recorrido por una tarde de verano en la playa, con el sol que pica ya en las mejillas, el mar que brilla cada vez que el viento sopla y la arena en tus pies que corretea sin parar pasando por los dedos, así pues, Maroon Cocoon se inicia con “Welcome To The Show” para empezar con buen pie, y pasa por “Clara” con ritmos de guitarra marcados y repitiendo el nombre sin parar. Sigue con “Finishing School” donde la batería da un toque personal a la canción. Pasamos por otras muchas canciones, pasando por “LA girls” una versión de Hard Place y terminando con “ Sad Machina" una canción tranquila para terminar tranquilos y relajados después de haber pasado casi una hora estirados en la arena de la playa escuchando este magnífico disco.

Au Revoir Simone - The Bird Of Music

La magia del naïve: Adiós Simone

ÁLBUM: The Bird of Music
ARTISTA: Au Revoir Simone
AÑO: 2007
GÉNERO: Indie Pop


Au Revoir Simone es uno de los grupos que más habéis admirado de todos los que hemos comentado en esta página musical. De hecho hay alguien por ahí que se declara firme fan de este trío femenino de Brooklyn. No es para menos. Su música, que mezcla elementos pop con toques electrónicos y coros sesenteros, transmite una belleza y una tranquilidad abrumadoras. Su natural sentido de la música pasa intensamente pero de una manera rápida, dejando huella, pero con ganas de más. Hoy os hablamos de su segundo LP, “The Bird of Music”, de momento el mejor.

Felicidad sería la palabra que define a la perfección lo que encontramos en este segundo y hermoso trabajo de Au Revoir Simone, formado por Erika Forster, Annie Hart y Heather d’Angelo. “The Bird of Music” no es precisamente un disco variado en cuanto a arreglos; quizá eso es lo que le hace especial. Tan sólo ritmos pausados de batería, alguna que otra pandereta y eso sí, tejidos sintetizados (los reyes indiscutibles se llaman “teclados”). Una de las muchas cosas que hacen de este disco algo especial es ese ambiente como celestial, como de campo, sin necesidad de beats potentes, y en los sesenta, con esos coros, esa calma, esa pureza melancólica, el equilibrio ligero de las preciosas notas que alumbran cada segundo de temas como “Don’t See the Sorrow”, “Sad Song”, “Dark Halls”, “Fallen Snow”, “The Lucky One” o “A Violent Yet Flammable Word”. Un álbum encantador y tierno, y muy naïve. Su carrera promete, y quienes las seguimos de cerca escucharemos esta obra con ternura y nostalgia. Los tiempos mejores no son mejores si no son al lado de “The Bird of Music”.

Mónica Naranjo - Tarántula

Vuelve la diva salvaje

ÁLBUM: Tarántula
ARTISTA: Mónica Naranjo
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop


Si hace unos escasos días os comentábamos el regreso más importante del pop el segundo forma parte de la rama nacional. Ella lleva 5 años sin pisar un escenario (dicen que son 7, pero que yo recuerde el Chicas Malas es de 2003) y vuelve con más fuerza que nunca. Mónica Naranjo regresa oscura, acuática, y vuelve a demostrar que es una de las mejores voces del mundo, con Tarántula, su cuarto álbum, y el menos accesible de toda su carrera. Un disco plagado de elementos orquestales, de pellizcos electrónicos, mucha épica, mucha poesía, toques de rock industrial y detalles auditivos de un lado y otro. Un trabajo muy bien producido pero que no cumple con todas las expectativas, porque no deja de ser un disco de pop, con lo cual encontramos letras absurdas, canciones que intentan ser pegadizas pero que se quedan en eso, en el intento; temas reivindicativos que se mezclan con canciones de amor… Vamos, en resumen, Tarántula está pensado para vender, como todo disco de pop, pero intenta no parecerlo.

Las mejores son:

1. Europa [10]

El conocido primer single, mezcla ópera y techno (sin olvidar el pop, evidentemente) en un experimento perfecto que queda pegadizo a la vez que dispone de una complicada digestión. Una de las mejores canciones que encontramos en el nuevo álbum de la Naranjo, y una buenísima muestra de lo que es capaz de hacer con su voz. La letra es oscura, igual que el tema, el que, por cierto, dispone en la versión álbum una introducción preciosa.

2. Todo Mentira [9]

“Voy a luchar, voy a vivir, voy a olvidar el dolor, el dolor. Voy a creer, quiero sentir, siento poder, porque puedo aguantar sin ti”. Así empieza el enorme segundo temazo del disco. Es uno de los más rockeros, con un estribillo lleno de rabia. Lo peor es esa mierda de rap que se pega la catalana: “Decide ya sin ser sentimental quién te ha dicho la mentira o la verdad; decídelo, sólo tú... ”. “Todo Mentira” sigue el álbum de una manera BRU-TAL. Excelente tema, en serio.

3. Usted [10]

Primer tema reivindicativo del disco. Una letra que critica la política y la corrupción, o eso creo. Es una canción con muchísima fuerza, pero menos que la anterior. Empieza con una pequeñísima intro que parece de Marilyn Manson, y sigue con la curiosidad más grande del disco: ese fantástico cambio de voz de Mónica Naranjo. Hace de niña primero, y de mujer después. Es un cambio tan brusco y tan inesperado que asusta. INCREÍBLE. Por cierto, esta canción combina el rock con toques de nana y ópera.

5. Amor y Lujo [10]

O “Europa #2”, esta canción muestra la enorme capacidad vocal de la Pantera convertida en Tarántula, y combina, de nuevo, la tranquilidad del principio con el techno borde del estribillo. Empieza con un piano muy agradable, pero la guerra está por venir. “Héroes adorados tan ciegamente…”, vaya canción, es grandísima. “Soy la desesperada, la sombra del amor fugaz, la que tuvo y lo perdió todo… LA QUE NO SE ARREPIENTE DE NADA. ¡La piel de gallina! Promete como segundo single.

6. Idilio [10]

Se echaba de menos, después de tanto chumba-chumba, una canción como ésta: Metafórica, épica, experimental, y muy ambiental. “Idilio” podría ser de Enya pero no, es del nuevo trabajo de Mónica Naranjo. Es muy lacrimógena, una canción muy bonita, muy aérea… un diamante.

11. Revolución [10]

Es la mejor canción del disco. Es un tema que parece que nos va a dejar fríos porque te pasas toda la vida esperando el maldito momento álgido que jamás llega, y te das cuenta de que es así, sin más, enorme. Su estribillo es grandísimo. De nuevo nos vuelve a hablar de libertad pero con un tema mucho más original, pegadizo, oscurísimo y que pone de los nervios de lo grande que es.


Musicboy & Musicgirl

Alela Diane - The Pirate’s Gospel

La elegancia del nuevo folk

ÁLBUM: The Pirate’s Gospel
ARTISTA: Alela Diane
AÑO: 2006
GÉNERO: Neo-Folk


El folk no parece estar muy de moda. Artistas tan veteranas como Vashti Bunyan parecen dejar paso a una enorme oleada de cantautores que han reinventado el género desde la raíz hasta la punta, modernizándolo, cómo no, con pequeños toques pop que dan una patada en el culo a la tradición, ya aburridora, para deleitarnos con piezas tímidas, sencillas –no a veces- y de una duración reducida, y que se une a otros géneros. El folk que está ahora de moda es el que hacen cantantes de la talla de Devendra Banhart, Joanna Newsom, Nancy Elizabeth, Josephine Foster, Colleen, Iron & Wine, Espers… y multitud de ellos, a los que se une una joven llamada Alela Diane, aunque no es nueva en esto. De hecho, esta chica sería el ejemplo perfecto del género que practica: el neo-folk. Su disco The Pirate’s Gospel lo demuestra con creces.

Decimos esto porque la norteamericana hubiera sido considerada como la reina irrefutable del nuevo folk si no fuera por ese chaval barbudo con pintas de indio que parece no haber pisado una ducha en su vida, aquel de la voz vibrante tan particular. Sí, ese que estáis pensando. Porque Alela Diane ya practicaba con el neo-folk gracias a su primera grabación, Forest Parade (2003), que no hemos escuchado, pero hay que decir que, aunque Oh Me Oh My The Way The Day Goes By The Sun Is Setting Dog Are Dreaming Lovesongs of The Christmas Spirit, del Banhart, evidentemente, sea del 2002, no cuenta, porque básicamente es una mierda. Alela Diane es la reina. No es tan conocida, pero desde aquí lo decimos.

Por otro lado, pensando fríamente, existen dos tipos de neo-folk: El neo-folk elegante y el neo-folk freaky. El primero lo practican cantautores ya mencionados tales como Colleen y Joanna Newsom, y el freaky es más para las gallinas del corral: Devendra Banhart y Josephine Foster. Esta última es la más freaky de todas: Es como una campestre casposa que le canta sólo a las ovejas, como una viejecita viviendo en un pueblo fantasma. Alela Diane forma parte del primer grupo, y temas tan redondos como los de The Pirate’s Gospel lo reiteran. Probad a escuchar “The Rifle”, “The Pirate’s Gospel”, “Pigeon Song”, “My Tired Feet” o “Clackity Clack”, por ejemplo.


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Astrud - Performance

Todo nos parece una mierda después de escucharos

ÁLBUM: Performance
ARTISTA: Astrud
AÑO: 2004
GÉNERO: Indie Pop Ácido


Quizás este es uno de aquellos grupos que, o gustan mucho o no gustan nada, pero a nosotros está claro que este dúo barcelonés formado por Manolo y Genís nos encantan. Astrud fue creado hace ya más de 10 años y han creado ya 5 discos y varios Singles entre recopilatorios además de componer la B.S.O de un corto del cual no tenemos ni idea de cómo es, sólo sabemos su nombre: Un Mystique Determinado. Pero hoy no hablaremos de toda su discografía que es muy amplia, hoy nos centraremos en Performance, tercer disco del dúo, que salió a la venta el año 2004 cuando ya llevaban tres años desaparecidos.

Este disco sigue con la línea de todos sus álbumes, con letras que parecen hechas en una tarde que quedan los dos, se sientan uno delante del otro y empiezan a soltar tonterías para sacar de esto, unas letras geniales y con un humor muy, pero que muy personal, los ritmos y melodías siguen los estilos anteriores pero no aburren nunca.

Performance es como su primera canción un “Masaje”, que nos cuenta como se hace, y pasa de una canción muy relajada, a una muy reivindicativa “Todo nos parece una mierda” una canción irónica, con un gran toque de humor que nos incita a comprar sus discos, porque todo nos parece una mierda menos los suyos. En la siguiente canción “Caridad” donde una pareja corta, y se quedan solos los dos. La siguiente titulada “CD” como ya dice el nombre, cuenta como son cada una de las canciones que uno/a ha escogido para grabarle un CD a otro/a. “Al Futuro” uno que se esconde de algo o alguien que nos recuerda que no temeremos al futuro. Y aquí el disco llega a la mitad y nos relaja con “He vuelto” con un piano y una voz que cambia haciendo voces distintas según le conviene. “Quedamos así” unos que quedan así para ir a algún sitio. Y ya va terminando el disco con “Soy futbolista” contando a lo que se dedica un futbolista. “Vamos a un Bar", “Me desdigo” uno que desdice lo que dice. Y así con uno que se desdice, llegamos a la última canción “Todo da lo mismo” con unos sonidos un tanto peculiares y una letra un tanto pegadiza, con cosas que debe hacer para no olvidar que todo da lo mismo.

Astrud es un grupo curioso, donde lo más importante no son sus melodías, sino las letras tan graciosas que llegan a crear.


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Panda Bear - Person Pitch

Se ha escapado un animal

ÁLBUM: Person Pitch
ARTISTA: Panda Bear
AÑO: 2007
GÉNERO: Psycho Pop


De Animal Collective viene este hombre, de nombre Noah Lennox, y este es tu tercer trabajo como solista. Person Pitch es un viaje infinito a un mundo –o a unos mundos- desconocido(s), caótico(s), turbulento(s). Una mezcla rocambolesca y alborotada de perpetuas percusiones, de interesantes y perturbadas experimentaciones instrumentales, que van desde el folk más hippie hasta el ambient menos sofisticado, con enormes abrazos musicales al pop y a la electrónica más vanguardista y underground. Person Pitch es un pócima tóxica de oscuridad y vitalidad acuosa, de pensamientos trastornados y alteraciones harmónicas, de cambios rítmicos y melódicos, de notas disparatadas y ácidas. Es una obra que se presenta alegre, psicodélica y multisonora, un exilio psíquico, un adiós corporal, una droga sensacional: 7 rallas de cocaína musical; unas tienen menor efecto y otras conservan un alto porcentaje de caída mortal. 7 es el número mágico, y 7 son las piezas que se contemplan en una detallada construcción que, sin remordimientos, invita a unos tímidos años sesenta a la fiesta de la vida. 7 son los elementos que elaboran un disco de texturas exóticas, de tejidos amplios y estructuras paradójicas. Una maravilla.


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Madonna - Hard Candy

Caramelitos para todo el mundo

ÁLBUM: Hard Candy
ARTISTA: Madonna
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop


Evidentísimamente, uno de los dos regresos más importantes del año llega de la mano de Madonna, la considerada reina del pop, todos la conocéis, y es que siempre que saca nuevo disco se convierte en la vuelta a los escenarios más esperada del mundo. Después de su gran disco dance “Confessions on a Dancefloor”, la cantante de pop más respetada del universo viene cargadita de caramelos para todo el mundo. Madonna rejuvenece aún más con un disco que suena a chicle, un álbum pegajoso producido por el cara-topo de Timbaland y el rapero-productor Pharrell Williams, responsable, entre otras cosas, del tema “Why Should I Be Sad?" de Britney. Un disco criticado por facilón y soso. WATM le da tres puntos por ser un álbum donde no hay ni un solo tema que no suene a hit. No será mejor que el anterior, pero está muy bien, y mucho cara-topo, que Timba puede salir en todos los videos que produce y llegar a ser pesado en el sentido figurado, pero es el genio pop del momento, nadie lo puede negar.

Timbaland está de moda, y si Timbaland está de moda a Madonna le gusta, porque ella es moderna, con lo cual va a la moda y si se va a la moda se va con el productor de moda, que es Timbaland. Pero, sin embargo, el cara-topo sólo ha producido 5 canciones de 12 que contiene el disco, y aún así Hard Candy suena más a Timbaland que a otra cosa. Y hay cada letra que parece hecha por su hija, la de la uniceja, qué vergüenza… Pero bueno, las canciones son bailables, todas muy de cazuela (las bases parecen todas las mismas… parecen) y eso está bien. “Candy Store” es el incomprensiblemente incomprendido primer tema, muy pegadizo, facilito, suena cool y todo. Le sigue “4 Minutes”, el primer single, a dueto con el cara-topo y Justin Timberlake: mucho tick tack tick tack, mucho Hey Madonna… La letra es tan fácil que hasta un bebé la aprendería. “Give It 2 Me” y “Heartbeat” son los dos temazos que siguen a continuación. La primera, tal vez el tema más bailable de todos, donde hasta pequeños elementos electrónicos juegan el papel más importante. La segunda es preciosa, ese falsete de Madonna… El principio es muy, pero que muy Kylie Minogue.

Y en el puesto 5… ¡“Miles Away”!, seguramente una de las mejores canciones que ha grabado la Sra. Ciccone en toda su larguísima carrera, con un estribillo pegadizo y precioso. Habla de las duras distancias en el amor. “She’s Not Me” está bastante bien, pero no llega a ser de las mejores. A parte, yo no sé qué maldito afán tiene el cara-topo con alargar eternamente las canciones. Lo mismo pasa con “Incredible” que, por cierto, en vez de una canción parece un remix. Es la peor del disco, y demasiado extensa, con lo cual llega a aburrir hasta la saciedad. “Beat Goes On”, antes “The Beat Goes On” (un cambiazo, ¿eh?) parece haber pasado por el quirófano musical de una forma excelente, y mientras que antes era sosa ahora es una canción enorme, perfecta para escuchar un atardecer. Ah, y es a dueto con el rapero de moda, Kanye West. “Dance 2night” es la grandísima sorpresa: Comienza mal, muy mal, pero se vuelve muy bonita, muy original, y es de lo mejor de Hard Candy. “Spanish Lesson” de vergüenza ajena (atentos a la letra: “Yo te quiero means I love you, mucho gusto means I’m welcome to you. Señorita, I just wanna fall in love”. ¿Pero qué tiene que ver? Y lo mejor: “Yo soy loco means you drive me crazy”. ¿De verdad esta mujer pretende dar clases de español?, “Devil Wouldn’t Recognize You” es densa, muy de noche, con lluvia incluida y todo. Con ella comienza, según Madonna, la parte chill-out del disco, que termina con “Voices" la cual cierra el disco bastante mal, con esa base tan cutre. Lo mejor es el coro que dice “Who is the master and who is the slave?”. Eso sí es ser diva.

Para unos un chasco, para otros uno de los mejores discos de Madonna, que supera incluso al anterior. Para mí, un disco de pop muy chulo, muy disfrutable en todo momento, que entra muy rápido y no sale.


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Antony & The Johnsons - Antony & The Johnsons

Los ángeles existen: se llaman Antony

ÁLBUM: Antony & The Johnsons

ARTISTA: Antony & The Johnsons

AÑO: 1998

GÉNERO: Indie

Y volvemos a hablar después de un tiempo, de Antony & The Johnsons, este grupo formado por el fantástico cantante Antony Hegarty, que nos dejó a todos encantados con melodías delicadas, y esta voz perfecta. Dejamos de alagar a este magnífico grupo para hablar de su primer álbum, para nosotros el mejor es “I am a bird now” pero este primero fue un señor discazo para empezar con muy buen pie una carrera musical excelente. El disco de nombre homónimo ANTONY & THE JOHNSONS nació el año 1998. Para los que sólo hayan escuchado su segundo álbum, hay que decir que este primero es muy parecido, la voz inconfundible de Antony está en todas y cada una de las canciones, al igual que su fantástico piano y toda la magia que conlleva la unión de estas dos joyas, el piano y él.

El disco, o mejor dicho, DISCAZO en mayúsculas, consta de 9 temas, empezando por “Twilight” simplemente una maravilla de canción como todas las que vienen a continuación, un gozo para los oídos, tranquila, suave y con una voz rota, entrecortada que da un sentimiento impresionante. Sigue con “Cripple And The Starfish” y con ella sigue un violín. La tercera canción “Hitler In My Heart” da un toque distinto al disco, la monotonía del piano en esta canción le da más gracia, un poquito más de felicidad. Y el disco sigue con “Atrocities” con una canción mucho más lenta que la anterior para relajarnos, y con ella llega la quinta canción, “River Of Sorrow” con los tres elementos básicos para que algo sea totalmente Antony & The Johnsons, una batería, un piano y él. “Rapture” para caer rendido bajo los pies de Antony con un arpa tocando notas sueltas y una flauta acompañando. El disco va despidiéndose ya con “Deeper Than Love” un poco más movida que las anteriores, con ritmos distintos, que se salen un poco de las normas Antonianas. Y así llegamos a la ya penúltima canción llamada “Divine” porque él es divino y para decirnos adiós, nada mejor que la canción que da nombre a la carátula “Blue Angel”, no sabemos si se llamará así por ser un ángel azul o más bien un ángel triste, pero tanto uno como el otro encajan perfectamente con lo que es Antony, un ángel.

Antony & The Johnsons es un álbum imprescindible, necesario para los amantes de buena música (osease fans de Wearethemusic).

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Chromatics - Night Drive

Night Drive: el disco especial

ÁLBUM: Night Drive

ARTISTA: Chromatics

AÑO: 2007

GÉNERO: Night Pop

Para aquel que se interese por este nuevo trabajo de la banda Chromatics, le será una verdadera y grata sorpresa: No sólo se toparán con un álbum redondo, brillante y oscuro a la vez, sino que descubrirán a una banda de pop inimaginable en los tiempos que corren. Claro que, cuando se habla de pop, se habla con un sentido tan global que llega a confundir. Podríamos hablar de pop alternativo, de ‘electro-dark-pop’, de ‘dark-pop’, de ‘dark-electro’ con toques pop, pero no podría ser porque estos últimos términos nos los acabamos de inventar, con lo cual lo más preferible es hablaros de ‘night pop’, otra palabra inventada pero que engloba el sentido de todo el álbum. Night Drive es pop de noche, un disco especialmente nocturno, si es que ya lo dice el título; parece que el grupo lo haya grabado preferiblemente para escucharlo en coche a las tantas de la madrugada. No es un trabajo con el que alguien se pueda deleitar en cualquier momento. Pero, vamos, que es una maravilla.

El disco empieza a dibujarse esférico con una introducción a la que poco le falta para llegar a los dos minutos (“The Telephone Call”), a la que le siguen las tres mejores del disco: “Night Drive”, “I Want Your Love” y “Running Up that Hill” (sí, es un cover, y muy bueno). La instrumental “The Killing Spree", en principio llega a ser una decepción y no llega a cuajar en el álbum, pero para gustos los colores. “Healer” es muy oscura, una de las joyas del álbum. Y de diez temas las canciones finales son igual de brillantes (“Tomorrow Is So Far Away” pura magia), incluso la última, “Tick of the Clock”, puramente instrumental, con una duración de más de 17 minutos.

Night Drive es un diamante pop oscuro, donde los ritmos beat suaves se compaginan con toques de guitarra eléctrica que suena incluso blanda, y pequeños ingredientes electrónicos acompañados de la dulce –y plana, todo hay que decirlo- voz de su cantante. Un muy buen disco que debéis apuntar.

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Anja Garbarek - Balloon Mood

Sonidos oscuros de Anja

ÁLBUM: Balloon Mood
ARTISTA: Anja Garbarek
AÑO: 1999
GÉNERO: Pop Experimental


Hoy hablaremos de una noruega ya mencionada en este fotolog, se trata de Anja Garbarek. Ya lleva tres discos en el mercado y realmente muy buenos todos ellos, pero hoy hablaremos de su primera obra, se titula Balloon Mood, fue lanzado hace ya unos años, concretamente el 1999.La música de Anja Garbarek es oscura, con ruidos curiosos, tranquila, relajados y con su voz, muy dulce y delicada.

Balloon Mood es un disco tranquilo, para escuchar una noche en la cama, y sin una sola luz encendida, para saborear cada nota y ruido que produce estas melodías adorables.

El álbum empieza sorprendiéndonos con “Beyond My Control” que nos da a conocer a Anja Garbarek con una melodía suave que cambia al poco rato mostrando otra cara más animada y con ritmos marcados, sigue con “I.C.U” que, como en la anterior da comienzo a la canción con melodías suaves a las que da ritmo y más vidilla. Esta joya de disco continúa con “Just One of These Days” aportando ruidos y melodías tarareadas por ella que le dan frescura y oscuridad a la vez, la cuarta canción parece más robótica, se titula “Picking Up Pieces" y los ruidos parecen ser de una cámara de fotos que dispara a cada movimiento que realizan los robots de Anja Garbarek. La siguiente canción, “The Cabinet” tiene toques de utensilios para la cocina mezclado con la oscuridad de su voz desapareciendo con sus susurros. Sigue con “Something Griten” pareciendo una oficina de una central, con mucha electrónica, donde una luz se enciende haciendo ruido, que se transforma en su hermosa voz, un piano y una batería con toques suaves. Las siguientes canciones “Strange Noises”, “The Telescope Man Says”, “She Collects (Stuff Like That)”, siguen con una dinámica muy similar a la de las otras canciones, con melodías al principio que cambian por completo al poco tiempo, por último el disco nos despide con “Balloon Mood”, canción que da nombre a este fantástico disco, con momentos de intriga y algo que se pasea de altavoz a altavoz haciendo ruido.


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ADULT. - Why Bother?

Violent love

ÁLBUM: Why Bother?

ARTISTA: ADULT.

AÑO: 2007

GÉNERO: Electro-punk

La música de ADULT. es una música rabiosa, enfadada, que te da puños en la cara, te grita, te ofende, te insulta, te humilla, te hace sangrar, llorar, te veja, pero todo en el buen sentido de la palabra. Así se podría definir su particular sonido y en particular la cuarta y última entrega de los de Detroit, Why Bother?, en el cual se nota que el grupito se ha hecho más famoso por su fusión punk que por sus raíces electrónicas al más puro estilo único. Y es que eso es precisamente lo que hace de este disco uno de los mejores del año pasado, esa sensación de estar escuchando punk electrónico y no electro-punk, que es principalmente la música que produce el grupo, y la voz de la fantástica Nicola Koperus (quien también es la responsable de las portadas y demás trabajos visuales en los conciertos). Ah, por cierto, ADULT. es un dueto de casaditos. Qué romántico.

A pesar de no ser considerado como lo mejor de ADULT., nosotros le damos el visto bueno básicamente porque es el único trabajo que hemos escuchado de ellos, así de clarito. “Red Herring”, la puerta de entrada al disco, hierve de buena. “Harvest”, que es el tema con el que cierra, no lo es tanto, pero por el camino se quedan unos temazos increíbles, de enorme calidad y que explican con detalle el sonido de una banda referente del electro-punk. Temazos como por ejemplo la maniaca “Inclined to Vomit” (la mejor, sin duda), “Good Deeds”, “I Feel Worse When I’m With You”, “You Don’t Worry Enough”, la histérica “R.S.x”... Incluso miramos con buenos ojos las pequeñas pero densas introducciones casuales que convierten Why Bother? en un disco de descontrol asustante (“The Importance of Being Folk, Pt. 1", “The Importance of Being Folk, Pt. 2” y “The Mythology of Psychosis”). Un buenísimo álbum que peca de instrumentales, pero qué se le va a hacer, el mundo de la experimentación se permite estos pecaditos de dios.

Why Bother?, un trabajo a tener en cuenta. ADULT., un grupo que seguiremos muy, pero muy de cerca.

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Amaral - Pájaros en la Cabeza

Biografías y emociones en forma de canciones

ÁLBUM: Pájaros en la Cabeza

ARTISTA: Amaral

AÑO: 2006

GÉNERO: Pop

Maldito pop mainstream, siempre con sus bobadas de artistas que van de guays por la vida imitando a El Canto del Loco, sin una maldita idea buena que aportar a este asqueroso panorama español. Por suerte tenemos a Amaral, que celebran 10 años de su nacimiento, y vuelven este año con un disco que promete volver a ser el más vendido de España. Éste, Pájaros en la Cabeza, incluso lo sigue siendo, después de dos años. El nuevo álbum llevará el misterioso título de Gato Negro-Dragón Rojo, pero hasta que no salga a la venta y le podamos echar una escuchadita nos centramos, eso sí, con motivo de intensa espera, en su cuarto disco de estudio, quizá el mejor de su corta pero gran carrera.

Y es que piezas tan emotivas como la obra maestra de “Días de Verano” son una razón de peso para escuchar tal discazo. Cabe decir que canciones como “Enamorada” (de qué va a hablar la canción), “No Soy Como Tú” (contra la guerra y vamos, en general, contra Bush, ¿no?) (otra pedazo de obra maestra), “Tarde Para Cambiar” (“quería cumplir 18, vivir para siempre a mi aire”…), “En el Río” (Eva explica la muerte de su padre. Es la más intensamente triste) o “Salta” valen su peso en oro, pero el caso de “Días de Verano” es distinto: Nunca una canción en español ha provocado en una persona multitud de sentimientos a la vez (alegría, tristeza, emotividad silenciosa –eso del nudo en la garganta, con el momento álgido del tema nadie nos lo quita-…). Vamos, que si el temita es el diamante, y las otras canciones mencionadas oro, lo que queda es pura plata, con lo cual, PEDAZO DE DISCO, PEDAZO DE GRUPO, y PEDAZO DE LETRAS QUE SE MARCAN LOS ZARAGOZANOS. ¡VIVA AMARAL! Y viva el buen pop.

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El Guincho - Alegranza

Fiesta, fiesta, fiesta caribeña

ÁLBUM: Alegranza
ARTISTA: El Guincho
AÑO: 2007
GÉNERO: Pop-Folk Tropical

El Guincho es una de las grandes excepciones sorpresas del 2007, donde el género electrónico, indie, electroindie y demás variados se hicieron con el puesto de honor de la música ‘de moda’ del momento. El folk, no nos vamos a engañar, también ha ocupado una parte importante del año, haciendo regresar a artistas como Devendra Banhart, CocoRosie, Iron&Wine o Colleen. Pero volviendo a nuestra tierra, concretamente a las mismísimas Islas Canarias, un chico joven de unos veintitantos años debutó en solitario aquel año con uno de los álbumes más innovadores y originales del año (bueno, tiene un disco anterior, pero no se cuenta), aportando un soplo de frescura a un panorama que cada día va mejorando, para qué negarlo. Ese disco es el tropical, caribeño y calentito Alegranza, una pequeña colección de nueve canciones deliciosamente bailables, locas, veraniegas y con un toque pop y electrónico encantadores que hacen viajar al oyente a una fiesta sin fin, donde los vientos y los golpes de percusión no faltan. La fiesta está asegurada.

Pablo Díaz-Reixa, más conocido como El Guincho, formó parte de la banda Coconut. Así, en 2007, logró editar un álbum con una atmósfera carnavalesca increíble, colorista, fantasiosa, con un sonido denso e intenso, caluroso. Alegranza es una elaboración de ritmos descontrolados y rodeado de magia tropical, de melodías africanas y exóticas, relajadamente ardientes. “Polca Mazurca” (qué manera de abrir un disco, madre mía), “Antillas”, “Buenos Matrimonios Ahí Afuera”, “Palmitos Park” y “Fata Morgana” son los temas más destacables de una grabación que ya destaca en plenitud.

El Guincho es una de las grandes promesas nacionales, tenedlo en cuenta.


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Duffy - Rockferry

La Winehouse ya puede temblar

ÁLBUM: Rockferry
ARTISTA: Duffy
AÑO: 2008
GÉNERO: Pop-Soul

Lo de Duffy tiene mucho mérito: A poco tiempo de haberse convertido la reinísima Amy Winehouse en la diva por excelencia del neo-soul británico, llega esta rubia con cara de chica buena, con unos hoyitos encantadores, y le hace sombra. Será, tal vez, por la poca explosión mediática que está adquriendo últimamente la polémica artista, pero Duffy tiene pinta de pegar igual o más fuerte con su ¿segundo? álbum Rockferry, en el cual encontramos una colección de 10 canciones (para qué más) que nos trasladan a los 60, y que construyen uno de los discos más hermosos y sólidos del año.

Rockferry, a pesar de la prensa, no es muy parecido al característico sonido de Amy Winehouse, por no decir que es casi nulo, pero todo es por poner algún parecido, como si ya no se pudiese inventar nada. Es puro soul moderno que roza incluso la vena country y toca con los dedos lo poco que se puede escuchar de jazz, eso por no hablar de la fusión de pop. Incluso algún tema que otro recuerda a Macy Gray. Es un álbum realmente emocionante, donde la particular voz de Amy Duffy juega un papel importante y quizá el más emotivo (su registro es brutal). Todos, absolutamente todos los temas que componen este magnífico álbum que ya está en nuestra lista de lo mejor del año se merecen la medalla de oro, porque ningunas tienen desperdicio. “Rockferry”, “Warwick Avenue”, “Serious” y “Sleeping Stone”, los cuatro primeros cortes del CD, son pura magia y melancolía, son temas de gran magnitud emocional, y las letras ya pueden ser como las de La Casa Azul porque te van a hacer llorar igual. “Mercy”, el primer single, es enorme, sin más.

“Distant Dreamer”, la canción que cierra este gran disco, “Delayed Devotion” (más soul y se rompe), “Syrup & Honey” (la acústica) y, en definitiva, cada uno de los temas de Rockferry son minutos y segundos de una brillantez estelar increíble. Así que dejadle paso a esta pedazo de promesa que va en camino, si ya no lo es, de nueva diosa de la música soul.


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